Anubis Thin Places 2

Druga część znakomitego i niezwykle popularnego wśród czytelników „Bestiariusza słowiańskiego”. Autorzy i ilustratorzy: Paweł Zych i Witold Vargas zapraszają tym razem do poznania rzadko przywoływanych w literaturze fantastycznych opowieści i legendarnych stworów, m.in.: bizi, kaduków czy samojadków. Znajdziemy w nim historie zarówno rodzimych istot – z terenów przedrozbiorowej Polski, Mazur, Śląska i Pomorza, jak i bohaterów opisywanych w podaniach i legendach kultury ludowej Białorusi i Ukrainy.  Blisko sto dziewięćdziesiąt opisanych i pięknie zilustrowanych – czasem śmiesznych, czasem strasznych, ale zawsze niezwykle interesujących postaci można oglądać na kartach „Bestiariusza 2”, odkrywając na nowo ten nieco zapomniany fragment naszego dziedzictwa kulturowego.

Sztuki piękne i religia na Śląsku podczas wojen w XVII wieku / Fine Arts and Religion in Silesia During the Wars in the 17th Century Katalog towarzyszący wystawie w Muzeum Uniwersytetu Wrocławskiego, prezentującej relacje między sztuką a wojną na nowożytnym Śląsku. Wojny husyckie, wojna trzydziestoletnia, wojna siedmioletnia i wojny napoleońskie pozostawiły trwałe ślady w materialnym i niematerialnym dziedzictwie kulturowym: budowlach sakralnych i świeckich, rzeźbie, malarstwie, rysunku i grafice, literaturze i muzyce. Ślady te nie były zazwyczaj bezpośrednim następstwem działań wojennych, tylko odzwierciedlały napięcia społeczne i ideowe, które do wojen doprowadziły lub były ich skutkiem. Z tego powodu nie sposób przedstawić relacji między sztuką i wojną na Śląsku bez głębszej refleksji nad kulturową tożsamością regionu, jego przynależnością państwową, wieloetnicznością i wielowyznaniowością. Wystawa planszowa Bellum et artes – casus Silesiae. Sztuki piękne i religia na Śląsku podczas wojen w XVII wieku jest podsumowaniem wieloletnich badań nad kulturą i sztuką epoki nowożytnej prowadzonych w Instytucie Historii Sztuki Uniwersytetu Wrocławskiego.

Ten album ma dwie ogromne zalety: z jednej strony pokazuje nam w oszałamiającej jakości i w dużych rozmiarach ponad 300 reprodukcji dzieł malarskich Caravaggia, powiększonych detali jego obrazów oraz prac innych artystów, z drugiej strony jest obszerną i pisaną przez wybitnego europejskiego historyka sztuki analizą twórczości geniusza, który na przełomie XVI i XVII wieku zrewolucjonizował swą stylistyką malarstwo. Refleksja obejmuje kilka kluczowych problemów tej twórczości: uwikłania w erotyzm, obecności przemocy czy skłonności do prowokacyjnej autoprezentacji. Przynosi analizę spojrzeń bohaterów, gestów i motywu dotyku, porusza kwestię relacji artysty z modelem, ukazuje proces „tworzenia” widza i przejawy jego wirtualnej obecności w dziele, interpretuje grę lustrzanych odbić w obrazach oraz ujawnia strukturę napięcia budowanego między materialnością płótna i realizmem obrazu. Obszerne fragmenty poświęcone są analizie jego malarstwa religijnego i zagadnieniu najistotniejszemu – chrześcijańskiemu realizmowi Caravaggia. Rzecz nie tylko dla konesera i historyka sztuki, ale dla każdego miłośnika malarstwa.

„Niewiele obrazów z tamtej epoki posunęło tak daleko refleksję o dwuznaczności wpisanej w akt patrzenia, kiedy to patrzenie jest zarazem ranieniem i upokarzaniem. Widzowi schwytanemu przez obraz w pułapkę nie pozostaje nic innego jak tylko otworzyć usta ze zdumienia, podobnie jak oprawca, który trzyma płaszcz i w samym środku szyderstwa zdaje się nagle uświadamiać sobie, że ten upokorzony człowiek jest Synem Bożym”.

Claude Monet (1840–1926) to jeden z najbardziej znanych na świecie malarzy francuskich, współtwórca i przedstawiciel impresjonizmu. Artysta już w młodości przejawiał zainteresowanie sztuką, a jego pierwsze sukcesy w postaci serii karykatur przyniosły nie tylko uznanie, ale również stały się jego źródłem dochodów. Monet, zachęcony przez Eugene’a Boudina, z sukcesem uprawiał malarstwo plenerowe, czego dowodem jest dzieło, od którego pochodzi nazwa kierunku, pt. „Impresja, wschód słońca”. Artysta upodobał sobie naturę, a w szczególności wodę, jako temat swych obrazów, które przedstawiał w wyjątkowym, żywym stylu. Przez całe życie poprawiał swój warsztat, jednak zawsze najważniejsze były dla niego kolor i światło oraz ich wzajemne relacje. Przykładem takich studiów są wspaniale cykle tematyczne poświęcone grze kolorów ze światłem, między innymi „Nenufary”.

Hot on the heels (or lobster claws) of the best-selling Salvador Dalí phenomenon, Les dîners de Gala, TASCHEN presents the artist’s equally surreal and sensual viticulture follow-up: The Wines of Gala. A Dalínian take on pleasures of the grape and a coveted collectible, the book sets out to organize wines “according to the sensations they create in our very depths.” Through eclectic metrics like production method, weight, and color, the book presents wines of the world in such innovative, Dalíesque groupings as “Wines of Frivolity,” “Wines of the Impossible,” and “Wines of Light.”

Bursting with imagery, the book features more than 140 illustrations by Dalí. Many of these are appropriated artworks, including various classical nudes, all of them reconstructed with suitably Surrealist, provocative touches, like Jean-François Millet’s The Angelus, one of Dalí’s favorite points of reference over the decades. Dalí also included what is now considered one of the greatest works from his late “Nuclear Mystic” phase, The Sacrament of the Last Supper (1955), which sets the iconic biblical scene in a translucent dodecahedron-shaped space before a Catalonian coastal landscape. Dalí was by this stage a devout Catholic, simultaneously captivated by science, optical illusion, and the atomic age.

The first section is dedicated to “Ten Divine Dalí Wines,” an overview of 10 important wine-growing regions, while the second develops Dalí’s revolutionary ordering of wine by emotional experience, instead of by geography or variety. Rather than any prescriptive classification, it’s a flamboyant, free-flowing manifesto in favor of taste and feeling, as much a multisensory treat as a full-bodied document of Dalí’s late-stage oeuvre, in which the artist both reflected on formative influences and refined his own cultural legacy.

In Designing Brands, the Creative Voyage team provides a backstage view into eight studios who produce some of the world’s most captivating visual identities. Alongside these independent agencies’ greatest projects, the book features in-depth conversations with their leaders and collaborators. This select group of industry experts shares intimate details about their processes and the art of creating with rationality, thoughtfulness, and intuition.

Designing Brands is split into chapters—discovery, direction, typography, illustration, photography, design, digital, and physical—based on the essential elements of this creative practice. But at its heart, the book is about community and the designers, strategists, animators, illustrators, stylists, photographers, and tastemakers who combine forces to bring brand universes to life.