Michał Anioł 500

This is an incredible selection of images, created through promtography. The artist Annika Nordenskiold has used AI as a tool to portray her dreams and inner fantasies. None of the places, people or creatures in this book exist in the physical realm. Instead, they are conjured from the sum of human experience in our deep collective well. "I press enter and four versions of an image start appearing in the darkness. I have prompted deliberately, starting with characters and themes, the mood, and what matters most. Adding lesser details towards the end. I do not reference any existing work or artist, but I am specific with the time and setting. Slowly layers are added, and shapes are taking form." The result is a book that is both beautiful and intriguing.

Książka Bardzo nam się podoba. Współczesna. Sztuka. Pytania jest pierwszą publikacją o sztuce współczesnej adresowaną do młodzieży. Autorki — Małgorzata Bogdańska-Krzyżanek, Maria Świerżewska-Franczak i Zofia Dubowska — na przykładzie dzieł z kolekcji Zachęty — Narodowej Galerii Sztuki wprowadzają młodego czytelnika w świat sztuki współczesnej. Konstrukcja całej książki oraz przystępnie napisane teksty z jednej strony pozwalają dobrze poznać opisane dzieła sztuki, z drugiej — zachęcają do samodzielnego stawiania pytań i szukania na nie odpowiedzi. Bardzo nam się podoba nie narzuca interpretacji i pokazuje jak ciekawym zjawiskiem jest sztuka najnowsza. Sztuka współczesna jest formą komunikacji z ludźmi. Artyści po to wystawiają swoje prace zamiast trzymać je w pracowniach, żeby rozmawiać. A skoro zapraszają do rozmowy, to dlaczego mielibyśmy nie pytać, nie spierać się i nie dyskutować? Możemy nie zgadzać się z rozmówcą? Możemy! I róbmy to. Drążmy, dociekajmy, krytykujmy. Fragment wstępu Dzięki książce szansa na porozumienie z tymi, którzy bronią się przed wejściem w świat sztuki, będzie na pewno większa. Czytelna, napisana zrozumiałym językiem praca, pełna szacunku dla młodego czytelnika i widza dopiero zaczynającego swoją przygodę ze sztuką współczesną to rzecz, na która wielu czekało. Anna Dziewit-Meller, WeBook To pozycja dla tych, którzy czują frajdę z odkrywania znaczeń i na wiązań, dostrzegania aluzji w sztuce, ale brak przygotowania teoretycznego odbiera im pewność siebie i wstydzą się zabierać głos. Tymczasem, żeby lubić czyjeś dzieło, nie trzeba mieć doktoratu z historii sztuki. By pozbyć się poczucia zagubienia, wystarczy poznać parę nazwisk, pojęć i znaczeń – tu podanych w sposób zrozumiały, z myślą o młodzieży. Szybko okaże się, że świat sztuki współczesnej nie jest wcale taki straszny ani hermetyczny Max Suski, dziennikarz

In the latter half of the 19th century, in the verdant countryside near Aix-en-Provence, Paul Cézanne (1839–1906), busily plied his brush to landscapes and still lifes that would become anchors of modern art. With compact, intense dabs of paint and bold new approaches to light and space, he mediated the way from Impressionism to the defining movements of the early 20th century and became, in the words of both Matisse and Picasso, “father of us all.”

This fresh artist introduction selects key works from Cézanne’s oeuvre to understand his development, innovation, and crucial influence on modern art. From compositions of fruits and pears to scenes of outdoor bathers, we trace his experimentation with color, perspective, and texture to evoke “a harmony parallel to Nature,” as well as the very process of seeing and recording.

Along the way, we discover Cézanne’s celebrated Card Players, his layering of warm and cool hues to build up form and surface, and the geometric rigor of his landscapes from the vicinity of Aix-en-Provence, as bright with the light of southern France as they are bold with a radical new rendering of dimensions and depth.

Dwutomowa monografia to pionierskie opracowanie dotyczące cenzury w sztuce polskiej po 1989 roku. Na ponad 1000 stronach  autorzy kreślą prawne, społeczne, historyczne i w końcu artystyczne tło tego zagadnienia. Książka, jako pierwsza publikacja z tego zakresu opiera się na dogłębnej analizie źródeł. W sposób kompleksowy analizuje problematykę ograniczenia wolności ekspresji artystycznej w III Rzeczypospolitej. Publikacja obejmuje dwa uzupełniające się ujęcia – prawne (tom 1) oraz historyczne, z uwzględnieniem politycznych i społecznych aspektów zjawiska (tom 2). Tom pierwszy zawiera analizę problematyki wolności artystycznej wypowiedzi w polskim systemie prawnym na tle kontekstu międzynarodowego, ze szczególnym uwzględnieniem ograniczeń płynących z regulacji prawnokarnych.  Rozważania prowadzone są w oparciu o faktyczne przypadki (m.in. spawy Adama Darskiego i Krzysztofa Kuszeja). Istotnym novum opracowania jest połączenie refleksji z zakresu dwóch obszarów badawczych: prawa oraz historii i teorii sztuki. Tom drugi jest próbą narratywizacji dziejów cenzury w sztuce polskiej po 1989 roku. Na podstawie zgromadzonego materiału faktograficznego autor wychwytuje charakterystyczne jakościowe i ilościowe cechy badanego w czasie zjawiska. Swoje rozważania wpisuje w szerszy kontekst społeczny, polityczny, artystyczny i medialny, jednocześnie wskazując na symboliczne przełomy, precedensy, ciągi lub korelacje wydarzeń. Uwypuklone zostały także ich implikacje prawne (ze szczególnym naciskiem na sprawę Doroty Nieznalskiej). Książkę zamyka spis wypadków cenzorskich.

Colours of Art takes the reader on a journey through history via 80 carefully curated artworks and their palettes. For these pieces, colour is not only a tool (like a paintbrush or a canvas) but the fundamental secret to their success. 

Colour allows artists to express their individuality, evoke certain moods and portray positive or negative subliminal messages. And throughout history the greatest of artists have experimented with new pigments and new technologies to lead movements and deliver masterpieces. But as something so cardinal, we sometimes forget how poignant colour palettes can be, and how much they can tell us.

When Vermeer painted The Milkmaid, the amount of ultramarine he could use was written in the contract. How did that affect how he used it? When Turner experimented with Indian Yellow, he captured roaring flames that brought his paintings to life. If he had used a more ordinary yellow, would he have created something so extraordinary? And how did Warhol throw away the rulebook to change what colour could achieve? 

Structured chronologically, Colours of Art provides a fun, intelligent and visually engaging look at the greatest artistic palettes in art history – from Rafael’s use of perspective and Vermeer’s ultramarine, to Andy Warhol’s hot pinks and Lisa Brice’s blue women. 

Colours of Art offers a refreshing take on the subject and acts as a primer for artists, designers and art lovers who want to look at art history from a different perspective.

Książka stawia sobie za cel próbę wyznaczenia nowej estetyki dramatycznej opartej na lustrzano-ekranowej grze. Autorka prezentuje możliwie szerokie podejście, łącząc wszelkie ścieżki interpretacji, które zmierzają ku literaturze i teoriopoznawczej scenie dramatu istnienia. Próbuje nakreślić sytuację, w której obecność luster i ekranów w dramacie współczesnym charakteryzuje kryzys technik mimetycznych odwołujących się do metafory „powieści – zwierciadła przechadzającego się po gościńcu”, a zmierza w kierunku prezentacji procesu zanikania lustrzanej głębi. Świat stał się jednocześnie przemierzanym traktem i drugą stroną lustra, wygodnym gościńcem i trudną opowieścią o nim. Autorka wprowadza własne koncepcje – kolażowej tożsamości medialnej, obrazów masek pustki, idei ekranowego modelu komunikacyjnego, wreszcie zarysu lustrzano-ekranowej estetyki. Pokazuje, jak z pozoru genologiczne pojęcia stają się określeniami teoriopoznawczymi, jednocześnie wyznaczając lustrzano-ekranową estetykę dramatów współczesnych. W opisie tej nowej estetyki przywoływane są najnowsze dramaty, czasem prawie nieznanych dramaturgów, jak np. Krzysztofa Rudowskiego, Pawła Sali, Roberta Kucharskiego, Pawła Jurka czy Jacka Suta, a także klasyków, takich jak Tadeusz Różewicz, Witold Gombrowicz, Witkacy, Samuel Beckett i Jean Genet.